4 de Diciembre de 2012. Nuestro viaje por la era Posmoderna en el arte termina con este viaje. Una vez más nos localizamos en Estados Unidos para poder comprender un movimiento artístico que le pone toda su  atención a los mínimos detalles, hablo del Minimalismo. !Acompañenos en este divertido viaje¡

Estados Unidos origen del Minimalismo. Crédito:http://es.wikipedia.org/wiki/Estado_de_los_Estados_Unidos

Estados Unidos origen del Minimalismo. Crédito:http://es.wikipedia.org/wiki/Estado_de_los_Estados_Unidos

El Minimalismo es un movimiento artístico que utiliza elementos mínimos, básicos entre  todo aquello que ha sido reducido a lo esencial y que no presenta ningún elemento sobrante o accesorio. Surge en Estados Unidos, Nueva York en 1960 reaccionando contra el  pop art, e invitando a un estilo más reposado en el que prevalecen los espacios amplios y los tonos suaves frente al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia. Sin embargo  sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe.

Lo minimalistas quieren generar sentido a partir de lo mínimo, ya sea simplificando  los elementos utilizados, apelando a un lenguaje sencillo, colores puros y líneas simples, también tiene su reflejo en una filosofía o forma de vida que propone dedicarse a lo importante y descartar todo lo innecesario como camino para alcanzar la realización personal.

El filósofo inglés Richard Wollheim es señalado como el responsable de acuñar el concepto de minimalismo, en referencia a las obras del norteamericano Ad Reinhardt  del  cual hablaremos más adelante con todos los demás exponentes de este movimiento artístico.

 Las características del Minimalismo son las siguientes:

  • Construir cada espacio con el mínimo número de elementos posibles, de forma que se elimine o evite todo cuanto pueda resultar accesorio.
  • Extrema simplicidad en sus formas, líneas puras, espacios despejados y colores neutros, en un ambiente con equilibrio y armonía.
  •  Uso de espacios amplios, preferentemente altos, y libres.
  •  Se evita también la cacofonía, la repetición y cualquier tipo de redundancia visual.
  • Suavidad, serenidad y orden, buscando una sobriedad sin ornamentación.
  • Los elementos deben combinar y formar una unidad, priorizando el todo sobre las partes.
  •  Uso de colores puros, con superficies o fondos monocromáticos, de tonos suaves predominando el blanco y el crudo

De acuerdo a los materiales que usan los minimalistas podemos destacar los siguientes:

  • Utilizan la madera, tanto en pisos como en muebles, y los materiales rústicos: cemento alisado, vidrio, alambre de acero, venecita y piedras, principalmente en estado natural (mínimamente manipulados).
  •  Telas austeras y lisas como  las telas rústicas en color marfil, texturas como el lino o lonetas, además de  cortinas, almohadones y tapizados tendrán que obedecer a una unidad y un equilibrio.
  •  
Los muebles toman el concepto propio del minimalismo de simpleza y funcionalidad: “menos es más”. La austeridad en el diseño y en la cantidad de muebles.
  •  En las paredes se trata de evitar todo adorno que esté de más, aunque se puede utilizar algún cuadro destacado en presencia o importancia.

Resaltar  que los minimalistas prefieren trabajar sobre ambientes monocromáticos;” una ruptura en el minimalismo puede estar dada por pintar una pared en un tono más subido que el resto de la ambientación, aunque no permite cambios tan osados como colores brillantes o muy alejados de los neutros (marrones, beiges, tostados)”.

Momento de pasar a los exponentes minimalistas más destacados pero importante mencionar que el Minimalismo se desarrolló tanto en arquitectura como pintura, música, escultura y literatura

ARQUITECTURA

Sus orígenes están anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo.

Ludwig Mies Van Der Rohe

Arquitecto alemán que elabora sus ideas acerca de la pureza de las formas (precursoras del minimalismo) durante el ejercicio de su cargo en la dirección de la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, en Alemania, a finales de los años 30.Emigra a Estados Unidos, país donde ya era conocido como arquitecto y diseñador influyente, y se nacionaliza estadounidense.

Entrado los años 60 participa en Nueva York del movimiento del arte mínimo y geométrico en las artes visuales. Aunque no fue el único que intervino, su versión del racionalismo y posteriormente del funcionalismo, se han convertido en modelos para el resto de los profesionales de su siglo. Su influencia se podría resumir en una frase que él mismo dictó y que se ha convertido en el lema de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del Siglo XX: “menos es más”.

Pabellón de Alemania en Barcelona. Crédito:http://es.wikipedia.org/wiki/Pabellón_alemán_(Barcelona)

Pabellón de Alemania en Barcelona. Crédito:http://es.wikipedia.org/wiki/Pabellón_alemán_(Barcelona)

A lo largo de su vida profesional luchó por conseguir una arquitectura de carácter universal y simple, que fuese honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras. “Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales, pero su poética radica en la sutil maestría de las proporciones y en la elegancia exquisita de los materiales (en ocasiones empleó mármol, ónice, travertino, acero cromado, bronce o maderas nobles), rematados siempre con gran precisión en los detalles”.

Entre sus obras importantes se tiene que mencionar  el Pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado por muchos su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX y  el Seagram Building de Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y aluminio.

Le Corbusier

Charles-Édouard Jeanneret, fue un arquitecto francés de origen suizo principal protagonista del renacimiento arquitectónico internacional del siglo XX, además de ser uno de los más grandes renovadores de la arquitectura moderna.

Le Corbusier buscaba superar los antiguos lenguajes y a trascender las aportaciones del cubismo mediante el purismo. “Los nuevos tiempos exigen un espíritu de exactitud, un espíritu nuevo”, argumentaba. En el clima de estas declaraciones publicó un ensayo con el título “El arte decorativo de hoy”. En este artículo Le Corbusier pretendía señalar la contradicción de los términos: decoración y modernidad.

La utopía de Le Corbusier fue crear una nueva realidad urbana, una ciudad que fuera una síntesis entre naturaleza y desarrollo tecnológico, a lo que laarquitectura y urbanismo debían estar perfectamente integrados. “En el período de reconstrucción postbélica, Le Corbusier ideó una ciudad estructurada en unités d’habitation, elementos modulares de un nuevo desarrollo urbanístico. Su idea era construir grandes edificios de apartamentos dotados de los servicios necesarios para constituirse en unidades autosuficientes y su sueño encontró una fragmentaria realización en la Unité d’habitation de Marsella (1947-1952)”

Le Corbusier propugnaba la sectorialización de la ciudad, dividiéndola en áreas especializadas (comerciales, administrativas, lúdicas). Este ideal de ciudad ha sido construido por otros arquitectos en las periferias de las grandes ciudades, aunque a menudo estas realizaciones no son sino groseras banalizaciones de la fantástica utopía de Le Corbusier.

PINTURA

La Pintura minimalista es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. “Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970”. Forma parte del Minimal Art, que suele traducirse como Arte minimal.

Los pintores minimalistas recibieron, además, las influencias del compositor John Cage, el poeta William Carlos Williams, y del arquitecto Frederick Law Olmsted. De manera explícita afirmaron que su arte no era una expresión de sí mismos, en completa opocición a los expresionistas abstractos de la década precedente.

Ad Reinhardt

Adolph Dietmar Friedrich Reinhardt fue un  pintor y escritor, pionero del arte conceptual y del minimalismo.

Crítico del expresionismo abstracto, las primeras obras de Reinhardt exhibidas evitaron representación, pero mostraron una estable progresión en el alejamiento de los objetos y las referencias externas. “Su trabajo evolucionó desde composiciones con formas geométricas en los años 1940, a trabajos en distintas tonalidades del mismo color (todo rojo, todo azul, todo blanco) en los 1950”.

Reinhardt es conocido por sus llamadas pinturas “negras” en la década de 1960, que en un principio parecían ser simplemente lienzos pintados de negro, pero estaban en realidad compuestos por tonalidades de negro y cuasinegro. “Entre otras evocaciones, estas pinturas pueden interpretarse como el cuestionamiento de si puede existir algo que sea tan absoluto, incluso en el negro, un color que algunos espectadores ni siquiera consideran como tal”.

Frank Stella

Pintor estadounidense que a partir de un expresionismo abstracto, pasó a un estilo esencial, constituido por bandas monocromas o de colores planos, montadas sobre bastidores irregulares dentro de la abstracción geométrica, con las que preanunciaba el minimal art de los años sesenta.

Pinta una serie de pinturas monocromas de tonos oscuros (las llamadas pinturas negras o rayadas, 1958-1960) cuyo interior estaba recorrido por líneas paralelas al marco del bastidor. A través de ellas, Stella perseguía la síntesis entre la estructura interna y la estructura externa del cuadro, búsqueda que sentaría las bases del arte minimalista.

Utilizó también la policromía  que destacó por las formas curvilíneas geométricas entrecruzadas y los juegos de colores vívidos y armónicos, posteriormente comenzó a realizar relieves en técnicas mixtas, de colores sensuales, que presentan formas más orgánicas. En los años setenta y ochenta, Stella abandonó la rigidez programática de sus inicios para decantarse hacia la creación de barrocas pinturas tridimensionales.

La anchura de las rayas en las pinturas de Stellas quedaban determinadas por las dimensiones de la madera usada para construir el marco que sujetaba al lienzo. “En el catálogo de la exposición, Carl Andre señaló que «el arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha entendido necesario pintar rayas, aunque a partir de esta exposición, Stella recibió una atención inmediata, artistas como Ralph Humphrey y Robert Ryman habían comenzado a explorar”.

Robert Ryman

Pintor estadounidense  que en  sus primeros cuadros y collages de mediados de los cincuenta experimenta con el material, el color y la pincelada, embarcándose en una investigación del proceso pictórico que constituye el tema central de toda su producción.”Aunque su paleta es al principio muy extensa, hacia mediados de los sesenta se reduce al blanco”.

“La reductividad monocromática de Ryman desemboca en una sutil complicación que proviene de la sensibilidad del artista; los matices de esta monocromía sugieren todos los demás colores”. A partir de entonces las variaciones en la transparencia, consistencia, tono y luz se producen en función del soporte y la pincelada utilizados. Comparando al pintor con el investigador científico, Ryman investiga todos los efectos visuales posibles que pueden obtenerse a partir de las variaciones de texturas, de bordes, de soportes y brillos.

Para dar terminado con la pintura, posteriormente, en los años ochenta se produjo una renovación de la pintura minimalista con las tendencias Neo-geo y Neo-minimal.

ESCULTURA

Se concentraron en formas geométricas simples que no representaban ninguna imagen; sus obras a industriales y trataban de no participar en el proceso para que en la pieza no hubiera “ningún rastro de humanidad”. La intención explícita de los minimalistas era eliminar en lo posible lo superfluo,  tratando de crear nuevas relaciones de volumen, color y escala. Igualmente trataron de replantear las relaciones entre el arte como objeto (especifico), y entre el objeto y el hombre como artista.

Donald Judd

Escultor estadounidense, siendo uno de los principales representantes y téoricos del minimalismo. En sus primeras realizaciones utilizó la madera, pero pronto incorporó el plexiglás y el acero inoxidable, su material más característico, creando obras basadas en yuxtaposiciones y superposiciones mediante las que intentó expresar relaciones afines a las progresiones matemáticas.

Todas sus creaciones son obras frías, carentes de cualquier intención decorativa o implicación emocional, en las que a menudo utiliza el color para de esta manera acentuar la estructura de las piezas.

Carl Andre

Escultor estadounidense, figura prominente dentro del movimiento conocido como minimalismo, sus obras  mostraban una fuerte influencia de las esculturas de Constantin Brancusi. En 1964 forma parte de la muestra colectiva “8 Youngs Americans” en la que pueden verse ya, obras de distintos escultores siguiendo un lenguaje minimalista.

Obra de Carl. Credito:http://www.carlandre.net

Obra de Carl. Credito:http://www.carlandre.net

Trabajó con objetos idénticos producidos en serie con los que componía la obra según un sistema de módulos matemáticos, reflejando la repetición de unidades, como vagones y coches cama en un ferrocarril. Andre trabajó con una gran diversidad de materiales, incluidas las placas de metal y de madera. Además de haber producido una importante obra escultórica, Andre también escribió poemas que consistían en diseños formados con palabras, que no respondían a un orden gramatical sino a un orden visual.

Obra de Carl. Crédito:http://www.carlandre.net

Obra de Carl. Crédito:http://www.carlandre.net

Dan Flavin

Artista estadounidense minimalista famoso por crear objetos escultóricos e instalaciones de lámparas fluorescentes. Sus primeras obras fueron dibujos y pinturas que reflejan la influencia del expresionismo abstracto. En 1959, él comenzó a hacer montajes y collages de técnica mixta que incluye objetos encontrados de las calles, latas aplastadas especial.

Obra de Dan Flavin. Crédito:http://en.wikipedia.org/wiki/Dan_Flavin

Obra de Dan Flavin. Crédito:http://en.wikipedia.org/wiki/Dan_Flavin

El “Diagonal del éxtasis personal” un amarillo fluorescente colocada en una pared en un ángulo de 45 grados con el suelo y se terminó en 1963, fue la primera obra madura de Flavin, sino que se dedica a Constantin Brancusi y marca el comienzo del uso exclusivo de Flavin de luz fluorescente disponible en el mercado como un medio. Se limitó a una paleta limitada (rojo, azul, verde, rosa ultravioleta, amarillo, y cuatro blancos diferentes  y la forma (recta de dos, cuatro, seis y ocho pies de tubos, y, a partir en 1972, los círculos).

Obra de Dan Flavin. Crédito:http://en.wikipedia.org/wiki/Dan_Flavin

Obra de Dan Flavin. Crédito:http://en.wikipedia.org/wiki/Dan_Flavin

En las décadas que siguieron, él continuó utilizando estructuras fluorescentes para explorar el color, la luz y el espacio escultórico, en obras interiores que llenaban las galerías. Comenzó a rechazar el estudio de producción a favor de site-specific “situaciones” o “propuestas” (como el artista prefirió clasificar su obra).  Estas estructuras emitir luz y una sombra inquietante de color, mientras toma una variedad de formas , incluidos los “pedazos de la esquina”, “barreras” y “corredores”.

LITERATURA

La literatura minimalista se caracteriza por la  economía de palabras. Los autores minimalistas evitan adverbios y prefieren dictar contextos sugerir significados,  los personajes de historias minimalistas tienden a ser trivial, común, inexpressivas, nunca rico o famoso detective fabuloso; en general, las historias son fragmentos de la vida.

Ernest Miller Hemingway

Escritor y periodistaestadounidense, y uno de los principales novelistas y cuentistas del siglo XX ha ejercido una notable influencia tanto por la sobriedad de su estilo como por los elementos trágicos y el retrato de una época que representa. Famoso por su estilo Minimalista escribiendo lo indispensable y prescindiendo de adjetivos o retoricismos innecesarios, yendo directo al grano.  Recibió el premio Nobel en 1954.

“Uno de los personajes de Hemingway expresa: “El hombre puede ser destruido, pero no derrotado”. Y uno de sus críticos corrobora: “Es un código que relaciona al hombre con la muerte, que le enseña cómo morir, ya que la vida es una tragedia. Pero sus héroes no aman mórbidamente la muerte, sino que constituyen una exaltación solitaria de la vida, y a veces sus muertes constituyen la salvaguarda de otras vidas”. A este tipo de héroe suele contraponer Hemingway una especie de antihéroe, como su conocido personaje Nick Adams, basado en su propia juventud, y que hilvana buena parte de los relatos como una línea casi novelesca”.

El mejor ejemplo de este estilo es su “Hills Like White Elephants”. Como Hemingway nunca se describe el terreno de juego que es cuando el personaje habla, el lector se ve obligado a interpretar que sobre la base de la respuesta. Por otra parte, aunque el paisaje es una parte integral de una historia, nunca se explica en el minimalismo.

Raymond Carver

Escritor y poeta estadounidense, sus libros están formados por relatos cortos que reflejan los dramas aparentemente más triviales, las catástrofes silenciosas de la gente más común, que poseen la capacidad de provocar una impresión fortísima, una indeleble conmoción. Dotado de un apreciable escepticismo y resentimiento, mediante una técnica escueta y directa, carente de adornos estilísticos, casi minimalista, dibuja una gama de anónimos perdedores de una sociedad que parece haberse olvidado de ellos: desempleados, alcohólicos, divorciados, seres solitarios que van hacia la deriva y que no tienen otra cosa que hacer sino mirar la televisión, evitando mirar a su propio interior y comprobar que no son más que sombras cargadas de desesperanza.

¿Quieres hacer el favor de callarte por favor?. Crédito:http://www.abretelibro.com/foro/viewtopic.php?f=5&t=23121

¿Quieres hacer el favor de callarte por favor?. Crédito:http://www.abretelibro.com/foro/viewtopic.php?f=5&t=23121

Sus historias de muy pocas líneas, se captura la vida del autor a través de ángulos y personajes sencillos, que inesperadamente se convierten en hechos y cifras inusuales, misteriosos, mentirosos.

MÚSICA

La música minimalista es una categoría extendida y diversificada que incluye, por definición, toda la música que funcione a partir de materiales limitados o mínimos; las obras que utilizan solamente algunas notas, solamente algunas palabras, o bien las obras escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de bicicleta o vasos de güisqui.

Incluye las obras que sostienen un simple gruñido electrónico durante largo rato o las obras exclusivamente constituidas de grabaciones de ríos o cursos de agua o las obras que implican un largo lapso de tiempo para evolucionar de un tipo de música a otro.

Philip Glass

Compositor estadounidense de música minimalista, sintiendo poco aprecio que siente hacia los intérpretes de su época  y los espacios tradicionales lo llevan a formar su propio grupo musical, el Philip Glass Ensemble, con el que empieza a tocar principalmente en galerías de arte y en otros ambientes de la cultura underground.

La música de esta primera época es extremadamente repetitiva, austera y complicada para el oyente, lo que le supuso una gran incomprensión por parte de la crítica y el público. El propio Glass comentaba que cuando alguien del público se quedaba hasta el final, le invitaban a cenar. Sólo empezó a ser reconocido a partir de su colaboración con el director escénico y renovador teatral, también minimalista, Robert Wilson (director), con quien realizó la ópera experimental Einstein on the Beach, un alegato antinuclear con libreto escrito por un psicótico donde cada elemento clásico del género operístico se ve renovado y alterado de modo consciente

La realización de nuevas óperas así como una dulcificación de su estilo a principios de los 80, más accesible para el gran público, hizo avanzar la fama de Glass, así como su relevancia dentro de la cultura musical alternativa. Los primeros escarceos con músicos pop (como Mike Oldfield en su LP Platinum, donde interpreta una pieza de Glass) contribuyeron a darle a conocer en círculos más amplios.

Es posible que la fama a nivel mundial y cierto estatus de genio le llegara a través de la película experimental Koyaanisqatsi, dirigida por Godfrey Reggio (1981-1982) y producida porFrancis Ford Coppola. Algunas piezas que no se usaron en la película (como Facades) al final aparecieron en el álbum Glassworks (1982, CBS Records), que llevó la música de Glass a un público más amplio.

Terry Riley

Compositor musical estadounidense asociado al minimalismo, siendo su influencia más notoria la de su profesor Pandit Pran Nath, un maestro de Cante Clásico Indio, que también enseñaría a La Monte Young y Maria Zazeela. Riley realizó numerosos viajes a la India para el estudio de la rítmica de varios instrumentos musicales como la tabla, tambura y voz.

Ha desarrollado técnicas de improvisación musical basadas en la utilización de magnetófonos y compuesto obras como In C (En do mayor) (1964) que han tenido un fuerte impacto en la vanguardia musical. La grabación de sus obras Poppy no good and the phantom band (1967) y A rainbow in curved air (1969) le dieron a conocer entre el gran público.

Su obra más conocida es In C, compuesta en 1964, donde se revela sobre todo la influencia de su colaboración con La Monte Young y el grupo Fluxus en Nueva York, así como el trabajo que realizó en los estudios de Radio France con grabaciones en cinta. Inspirado en la experimentación con el desfase, la superposición y la repetición de sonidos grabados, Riley estructuró la música de In C a partir de 53 frases musicales o módulos de diversa longitud que cada intérprete puede repetir libremente sobre un pulso constante en la nota Do.

Steve Reich

Crédito: wikipedia.org

Crédito: wikipedia.org

Compositor e intérprete estadounidense, uno de los principales representantes del minimalismo y cuyo verdadero nombre es Stephen Michael Reich.

Varias de sus primeras obras como It’s gonna rain (1965) y Come out (1966) están compuestas para grabación en cinta magnetofónica con pequeños fragmentos hablados que se repiten, se unen y se entretejen, haciendo del ritmo su principal característica y desarrollando un contrapunto basado también en valores rítmicos. A finales de los sesenta, Reich desarrolló la técnica conocida como ‘de fases’, en donde dos o más instrumentos interpretan una frase idéntica pero a velocidades diferentes.

En la década de 1970 su estilo fue evolucionando con el uso de frases rítmicas que se interpretan a una misma velocidad pero en forma de canon, para formar una textura compleja a partir de un material sencillo.

En sus últimas obras Reich vuelve a utilizar voces pregrabadas en cinta magnetofónica, aunque ahora la melodía de las frases habladas, de mayor longitud, así como el ritmo, son utilizados como motivos por los instrumentos acompañantes, muy al estilo de Leoš Janácek. Reich utiliza esta técnica en Different trains (1988) para cinta y cuarteto de cuerda y en The Cave (1993), obra multimedia realizada en colaboración con su mujer Beryl Korot, especialista en vídeo. Este es uno de sus proyectos más ambiciosos.

Los detalles son importantes en cualquier obra realizada, vimos con el Minimalismo que sus exponentes ya sea en escultura, pintura o música etcétera, el detalle es fundamental para comprender su trabajo. La forma tan natural que trabajan los artistas nos llamó mucha la atención e hizo que viéramos que tal vez cualquiera de nosotros con la inspiración adecuada puede crear obras magníficas y que tal vez con los avances que hemos tenido en este corto siglo XXI, podamos revolucionar el arte que conocemos actualmente.

Esperamos que les haya gustado y nos despedimos con este último reportaje; ojalá les haya gustado todo el recorrido que hicimos sobre la historia del arte desde sus inicios en la prehistoria hasta la era posmoderna. Mucho esfuerzo y dedicación pusieron los integrantes de este equipo para hacer que este blog fuera de su total agrado. Aun así nuestro mundo está en constante cambio al igual que el arte, entonces no nos olviden porque es probable que los volvamos a llevar para conocer más de lo que pasa a nuestro alrededor.

Sus viajeros del tiempo: Eduardo Moreno, Eduardo Orozco y Oscar Lozano.

FUENTES:

http://definicion.de/minimalismo/

http://arquitechtum.wordpress.com/2007/08/21/minimalismo/

http://decoracion.facilisimo.com/reportajes/estilos/moderno/decoracion-minimalista-para-toda-tu-casa_186383.html

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/corbusier.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/stella.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/ryman.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/j/judd.htm

http://www.editions75.com/Articles/vocabulairespanish.html

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hemingway.htm

http://artemiscelanea.obolog.com/minimalismo-86992

http://epdlp.com/escritor.php?id=1556

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