4 diciembre del 2012. Seguimos en nuestro recorrido por mitades del siglo XX, para llegar a un arte influenciada por el Dadaísmo con el fin de crear emociones a sus espectadores dándoles a entender que la idea es más importante que el objeto que están observando, hablo nada menos que del Arte Conceptual. ¡Acompañenos en este increíble viaje!

Estados Unidos donde se desarrolla el Arte Conceptual. Crédito: http://www.voyagesphotosmanu.com/mapa_estados_unidos.html

Estados Unidos donde se desarrolla el Arte Conceptual. Crédito: http://www.voyagesphotosmanu.com/mapa_estados_unidos.html

El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. “La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte”

Obra de Sol Lewitt. Crédito: http://extatico.es/blog_ext/?p=197

Obra de Sol Lewitt. Crédito: http://extatico.es/blog_ext/?p=197

Se desarrolló a finales de los sesenta y principios de los ochenta tanto en Estados unidos como Gran Bretaña y actualmente vigente. El origen de este movimiento lo podemos encontrar en Marcel Duchamp alrededor de 1915, el empieza a desarrollar trabajos donde la idea con la que se generaba el arte era más importante que la forma y belleza del mismo, afirmando que “el concepto era más importante que el objeto artístico”.

El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra no es dueña de nadie, además de  cuestionar abiertamente la la naturaleza objetual de la obra de arte, “justificando la aparición de neologismos como Anti-Object Art y Post-Object Art”

La característica principal del arte conceptual es el  predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales; siendo así “una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista”; en otras palabras lo podemos definir como: una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista, “para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza”.

Sus representantes utilizan métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra, ya sean fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, mapas presentaciones de actos en público que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos, pero sin llegar a crearla realmente ya que  “la idea tras el arte es más importante qie el artefacto en si”.

Tanto el body art (arte minimalista que utiliza el cuerpo como material de la obra) y el land art (arte terrestre que consiste en gigantescas obras en amplios espacios naturales) fueron dos corriente muy importantes del arte conceptual cuales explicaremos con más detalle.

BODY ART

El body art es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en los años 60 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. Su característica principal, es como el nombre lo dice, trabajar con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce etcétera, el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artísticoW. Suele realizarse a modo de acción o ”performance”, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.

Actualmente el Body Art trata temas como la violencia, la auto agresión, la sexualidad, el exibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos. Así el cuerpo puede estar transformado por un disfraz, ser utilizado como instrumento o unidad de medida, agredido o puesto a prueba hasta los límites del sufrimiento.

LAND ART

El land art es una corriente artística surgida a finales de los años sesenta en Estados Unidos que tiene como fin trasladar el trabajo artístico a los espacios naturales que son transformados por el pensamiento y la acción del artista. Este movimiento utiliza el propio espacio natural como soporte de la obra. Sus exponentes usan una serie de manipulaciones y transformaciones sobre el paisaje. Generalmente adquiere grandísimas dimensiones y su presentación en las galerías se hace a través de una documentación de fotografías, videos o textos. El land art interviene sobre el territorio (medición, orientación, señalización).

Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado; alterando con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. “Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambientey el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día”. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.

Retomemos ahora para hablar de los exponentes del Arte Conceptual:

MARCEL DUCHAMP

Artista francés considerado como el antecedente principal del Arte conceptual. Iniciado en el cubismo, en 1915 genera el movimiento conocido como Arte Conceptual a través de los Ready Mades.

Los Ready Mades son las primeras obras que caracterizaron las bases del arte conceptual realizados por Duchamp, su expresión para contar el “arte retiniano” el cual se basaba solamente en la apariencia de una obra de arte, las cuales, podían ser ser cualquier cosa ya que “el arte es lo que se denomina arte”; así que el arte puede ser cualquier cosa. Algunas de estas obras son: La fuente, Rueda de bicicleta, Botella de Rack entre otros.

Tuvieron que pasar 45 años para que el Arte Conceptual tuviera una innovación, pero antes necesitó el impulso de Clement Greenberg, crítico y divulgador de talentos modernistas de Estados Unidos, siendo uno de los máximos exponentes del formalismo en el arte de mediados del siglo XX. Tras la muerte de Duchamp, los artistas Joseph Kosuth y Sol Le Witt,fueron los encargados de revolucionar el movimiento.

JOSEPH KOSUTH

Artista estadounidense, convirtiéndose en importante líder del arte conceptual, llegando al rechazo absoluto de cualquier tipo de producción de obras, debido a su carácter ornamental. Sus ideas quedan recogidas en el ensayo Art after Philosophy (Studio international, 1969), en el que cita a Duchamp y sus Ready Mades como verdaderos creadores de la revolución artística, en cuanto paso de la apariencia al concepto.

Una y Tres sillas. Crédito:http://en.wikipedia.org/wiki/Joseph_Kosuth

Una y Tres sillas. Crédito:http://en.wikipedia.org/wiki/Joseph_Kosuth

Llega  a expresar que “el arte es, de hecho, la definición del arte”: ademas de abordar el tema artístico como un problema filosófico y lingüístico y  también llevó a cabo estudios de filosofía y antropología. “La obra de 1969 Art after Philosophy es su principal manifiesto y el lugar donde desarrolla la base teórica de sus obras”. Sus creaciones más conocidas llevan por título Investigaciones (por Wittgenstein) y consisten en dispositivos que examinan y reclasifican realidades mediante el uso del texto, cuya función es explorar la naturaleza del arte y conducirlo a su desmaterialización.

 Su obra importante y emblemática es “Una y tres sillas” que consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos?

SOL LE WITT

Escultor y dibujante estadounidense,es  uno de los máximos exponentes del arte conceptual,  apostaba por el relativismo. “La idea se convierte en una máquina que hace arte”, lema de su actividad creadora. Se caracterizó por sus estrictas formas geométricas de diversos colores y la creación de cubos de acero o con barras o en forma de jaula, siendo el tema central de sus primeras exposiciones.

Destaca que la idea, y no su forma física, es lo fundamental, por ejemplo en su  obra ‘The Location of 6 Geometric Figures’

quería transmitir el centro de sus formas geométricas a través de pensamientos, bocetos y cálculos. “La búsqueda de lo absoluto quedaba una vez más en segundo plano frente a la experimentación y el pluralismo”.

También desarrolla  una forma particular de murales, que llamó ‘Wall Drawings’. “El sistema de pintura se fundaba en los colores básicos amarillo, rojo, azul y gris, que eran aplicados de forma directa en la pared con movimientos circulares en capas transparentes”.

Como dato curioso, los  críticos se burlaban a veces de que el artis taviajaba a ver sus exposiciones para enterarse él también de cómo habían quedado sus obras. Lo que ocurría era que muchas veces LeWitt sólo realizaba los bocetos, pero la pieza en sí la elaboraba su equipo de ayudantes. De acuerdo a cómo lo hacían, resultaba una obra distinta.

FERNANDO RODRÍGUEZ ROJAS

Artista colombiano, que en sus obras conjuga geometría y estructuración compositiva, con el laberinto de imágenes derivadas de la propia realidad. “Establece una pléyade de figuras, oficios, situaciones, actuaciones musicales, músicos de jazz, payasos, imágenes, rostros, caras, personas, instrumentos musicales”.

Es un artista de raíz geométrica, sintético, con una gran visión de las nuevas aportaciones pictóricas, combinando elementos, objetos, figuras, composiciones en varios planos, estableciendo una visión a tres velocidades: el fondo, la parte intermedia y la zona más próxima al espectador.

“En ocasiones el cambio de color, le permite mostrar, a través de círculos,  escenas concretas de la composición, que le interesa resaltar. Destaca ángulos determinados, en los que aparece un personaje ejecutando una acción determinada”.

Fernando Rodríguez Rojas aúna de forma sincrética en su composición abstracción y figuración, geometría y realidad descriptiva, que cambia según la distancia y la incidencia de la luz. “Su obra podemos incluirla dentro de un sincretismo contemporáneo, en el que el movimiento es importante, pero también el color y la luz”. La incidencia lumínica nos abre puertas a otras realidades, en las que la tridimensión es un hecho, pero partiendo de limitaciones específicas, de estados de ánimo en los que “la mente fluctúa de un estado consciente a otro subconsciente y, de la subconciencia a la trascendencia del espíritu”.

ROBERT RAUSCHENBERG

Artista norteamericano, inventor de los “combine paintings” o “collages” creados con diversos objetos cotidianos así como sus famosos “collages fotográficos”, fotografías sobre lienzos pintados.

Los “combinados” (combine painting) de Rauschenberg, obras concebidas entre 1954 y 1964, que rompen las barreras formales entre escultura, pintura, fotografía, tecnología, performance y collage. El término “combinado” fue acuñado por el propio Rauschenberg, para que´según el mismo declaró, los críticos supieran definir sus obras.220px-Robert_Rauschenberg's_'Canyon',_1959-1

“Entusiasta de los materiales encontrados en la realidad cotidiana y a través de ellos busca nuevas formas de expresión”, rechazando la angustia del expresionismo abstracto que dominaba la vanguardia americana de principios de los años 50.

Rauschenberg practicó a lo largo de su continua labor experimental el denominado “ensamblaje del arte” que consistía en mezclar objetos sacados del mundo cotidiano con pigmentaciones pictóricas de carácter expresionista. Sus obras crearon una revolución en el arte contemporáneo, volviéndose  el arte en un diseño estrictamente conceptual, “el arte es pensamiento”.

A lo largo de su vida artística Rauschenberg experimentó continuamente con todas las manifestaciones artística como performance, música, danza, teatro, entre otras.

JASPER JOHNS

Artista norteamericano procedente del “action painting” y tenía en común con el pop-art poca cosa más que su elevación de lo trivial a la categoría estética. En su obra tiene un papel fundamental la inclusión de objetos y utensilios cotidianos (periódicos, reglas, tenedores).

Suele pintar lo que llamaríamos el “lugar común”: utiliza estereotipos banales, símbolos abusivamente usados que transforma en pintura, números y letras, del alfabeto, láminas de madera. Son famosas sus banderas, sus dianas, sus mapas geográficos que poseen la cualidad matérica de la pintura, que son pintura pero que no dejan de ser además objeto por su fuerte carga simbólica” En consonancia con la banalidad de estos objetos, la figura humana apenas aparece en la obra de Johns, a menos que sea en forma de moldes fragmentarios o, de forma más rara, de perfiles de miembros humanos vagamente pintados”.

Igualmente puede tomar prestados objetos o símbolos todavía más neutros, como los “números”, que él pinta a su estilo, o por el lado contrario objetos comunes: son famosas las dos latas de cerveza de bronce, pintadas como las latas originales y presentadas como esculturas o la caja de pinceles tratada de igual manera.

Estableció una relación más gestual con sus obras, ya que agregó en éstas huellas de movimiento y marcas. “Usó el recurso de fijar el extremo de un objeto en la superficie de la obra, para luego realizar un movimiento circular sobre la pintura fresca, gris sin excepción. De lo que resultaban huellas circulares o semicirculares generadas por los objetos, los que eran mantenidos como parte de la obra”.

Reinventó su arte en los 80, desafiándose a comenzar de nuevo., dejando de lado los ocultamientos y las referencias indirectas, ya sea en los motivos o en los títulos, y se volcó a la figuración.

PIERO MANZONI

Artista italiano célebre por su arte conceptual irónico, también podríamos decir que el arte de Manzoni es una especie de body art interior, ya que con el producto del cuerpo realiza muchas de sus obras.ya que consideró el cuerpo del artista como productor de arte, por tanto todo lo que saliera de él sería una obra, ya fuera su aliento, sus excrementos, o su firma colocada en el cuerpo de una persona.

En sus inicios realiza obras prácticamente minimalistas, experimentando en sus cuadros con múltiples pigmentos y materiales. “Una vez usó pintura fosforescente y clorato cobáltico para que los colores cambiaran continuamente. Aunque también tenía ideas más extravagantes, como hacer esculturas de algodón blanco, fibra de vidrio y piel de conejo”.

En 1960 Manzoni marcó su huella dactilar en varios huevos duros y los consideró obras de arte. Aplicaba su huella dactilar en el huevo, con ello el huevo obtenía un carácter artístico, después dejaba al público comerse esos huevos, que seguían siendo obras de arte y ahora las personas que los habían comido, también lo eran, y por tanto cuando estas lo expulsaran en forma de excremento, seguiría siendo arte. “También vendía fotocopias de sus huellas dactilares. Designó a varias personas “obras de arte andantes”, entre ellasUmberto Eco”.

En mayo de 1961 Manzoni puso sus excrementos en 90 latas de metal de 5 cm de alto y un diámetro de 6,5 cm y las etiquetó lateralmente con las palabras “Mierda de Artista” en los idiomas italiano, francés, inglés y alemán: Merda d’artista, Merde d’artiste, Artist’s shit y Künstlerscheiße. Vendió cada lata al peso teniendo en cuenta la cotización de oro del día. Algunas latas están en Galerías de arte famosas, entre ellas se cuentan el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, el centro Georges Pompidou de París, la TATE Gallery de Londres y el MOMA de Nueva York.

YVES KLEIN

Artista francés  siendo sus primeros trabajos pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. A finales de los años 50, los monocromos de Klein se centraban en un color azul intenso, que patentó como el International Klein Blue o Azul Klein ( ahora también llamado azul style por grandes firmas de moda que han decidido también ponerle ese sobrenombre) Internacional (IKB).”Yves pintaba el cuerpo de gente y les tiraba contra un papel mediante técnicas de judo”.

En muchos de sus trabajos Klein cubría con pintura azul a una serie de modelos femeninas y las estampaba contra el lienzo dejando así la impronta del cuerpo desnudo de las modelos sobre la tela, usándolas como si fueran “pinceles vivientes”. Este tipo de trabajo recibe el nombre de “Antropometría”.

La obra de Klein se mueve en torno a conceptos influenciados por la filosofía Zen, que él mismo describe como “le Vide”, “the Void” en inglés (el vacío). El “le vide” de Klein es una especie de nirvana que es “mudo” o posee pocas influencias de las palabras; se trata de una zona neutral donde uno mismo está inspirado a prestar atención sólo a sus propias sensibilidades, y queda expuesto a la “realidad” como oposición de la “representación”.

“Klein deseaba que sus obras se representaran por la huella que habían dejado: la imagen de su ausencia. El trabajo de Klein tiene referencias fuertes a los contextos teóricos/arte-históricos así como a la filosofía/metafísica, y su trabajo de alguna forma ayudó a combinar todos ellos”.

El arte inmaterial es conocido en la obra de Yves Klein, se encargó de ofrecer e intercambiar espacios vacíos en la ciudad de Paris a cambio de oro. No se trataba de una venta, sino de un intercambio simbólico entre el máximo valor material y el mínimo. Yves deseaba de sus compradores la experiencia “muda” de adquirir un espacio vacío.

“Desde esta experiencia se puede comprender que la pureza del vacío sólo se puede intercambiar por igual con el más puro de los materiales: el oro. De esta forma se restablecía el “orden natural” que dejaba una transacción de venta de un espacio vacío (que debaja tras la operación de intercambio no “vacía” nunca más), de igual forma Klein lanzó oro al río Seine”.

Finalmente, podemos decir que le arte conceptual hace que explote nuestra imaginación para que cada persona pueda encontrar sentido a la obra que se está exponiendo. Dejando a un lado el objeto como tal, el público tiene que expender su mente para comprender el significado de lo que se está viendo, cuestión que al grupo nos pareció demasiado atractivo. Esperemos que les haya gustado y nos vemos en el próximo viaje.

Sus reporteros del tiempo Eduardo Moreno, Eduardo Orozco y Oscar Lozano

FUENTES:

http://www.artelista.com/arte-conceptual.html

 http://historiadelartecuatro.blogspot.mx/2009/05/el-arte-conceptual.html

http://queaprendemoshoy.com/¿que-es-el-arte-conceptual/

http://www.ciber-arte.com/movimientos/conceptual.htm

http://www.slideshare.net/mauroccastillo/arte-conceptual

https://sites.google.com/site/barbarismo/bodyart

https://wikipedia.org

http://www.slideshare.net/frizzy69/body-art-presentation

http://www.freewebs.com/landart_cam/

http://revistareplicante.com/sobre-el-legado-de-clement-greenberg/

http://www.elmundo.es/elmundo/2007/04/09/obituarios/1176136846.html

http://www.artedehoy.net/html/revista/rauschenberg.html

http://fernandoaviles.com/jasper-johns-potencia-simbolos/

http://artepedrodacruz.wordpress.com/2010/06/26/la-pintura-de-jasper-johns-el-significado-de-lo-oculto/