20 noviembre 2012. Nos dirigimos en esta ocasiona a Europa para caer en Inglaterra y percatarnos del nacimiento de un arte considerado: Pop. ¿Qué es el Arte Pop? es lo que vamos a averiguar en este viaje y lo más increíble es que es arte que vemos normalmente todos los días. ¡Acompañenos!

 El Pop Art nace tanto en Inglaterra como en Estados Unidos (1950 el primero y  1960 el segundo)  como reacción ante al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista.

Los artistas  del Pop Art intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte,  utilizando temas y técnicas basados en la cultura popular de producción masiva como publicidad, comics, y otros objetos culturales. A lo que usaban diversos materiales para sus obras como: cera, oleo, pintura plástico etcétera y con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages,  etcétera.

“El Pop Art junto con el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste”.


Se puede mencionar a cuatros fases en las que se dividió el Pop Art:

  1. La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.
  2. La fase de apogéo : Su obra se basa en los años 50’s y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.
  3. La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.
  4. Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado.

Como se mencionó,  el movimiento empieza en Europa siendo su mayor representante Inglaterria y llegó a Norteamércia dodne también tuvo un apogeo considerable. Aunque en el resto de Europa también hubo Arte Pop importante. Daremos detalle de cada país y a sus representantes.

INGLATERRA

El término “Pop Art” proviene del británico Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los Medios Masivos). “Sin embargo, el movimiento nació, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop Art”.

El  Independent Group,  creado en Londres en 1952 es considerado el precursor del Pop Art, fueron  un conjunto de artistas jóvenes, incluyendo pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaron la corriente modernista que prevalecía en la época y también lo que tradicionalmente las personas consideraban como Bellas Artes. Todos sus integrantes, entre los que se encontraban Paolozzi, Hamilton y Alloway, fueron motivados por un gran interés en la cultura urbana de producción masiva como las películas, la música pop, la publicidad, etcétera.

Eduardo Paolozzi

Escultor escocés, pionero del Pop Art en la década de 1950 y, desde entonces, uno de los artistas británicos más destacados. Se implicó abiertamente en el desarrollo del Pop Art dentro del Independent group, ligado a los debates del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres.

Su obra efleja el influjo del movimiento Dadá y del surrealismo, como se refleja en las formas biomórficas de sus esculturas y en el uso del collage. (un medio que se convirtió en decisivo en el desarrollo del Pop Art). En la década de 1950 Paolozzi incorporó piezas de maquinaria a sus esculturas de bronce, mientras que su obra última incluye esculturas de formas abstractas gigantes, casi arquitectónicas, realizadas con extrañas combinaciones de formas mecanicistas.

Escultura de Paolozzi. Crédiot: http://en.wikipedia.org/wiki/Eduardo_Paolozzi

“Paolozzi también realizó algunas películas, fue comisario de varias exposiciones y diseñó los mosaicos (1980-1983) para la estación de metro (subterráneo) de Tottenham Court Road en Londres”. El éxito de Paolozzi radica en la creación de un estilo personal distintivo, a pesar de pertenecer a la generación de escultores dominados por el ejemplo de Henry Moore.

Mosaicos de Paolozzi. Crédito: http://en.wikipedia.org/wiki/Eduardo_Paolozzi

Richard Hamilton

Pintor británico considerado el creador del Pop Art y la obra con la que se caracteriza el nacimiento de esta arte según varios criticos e historiadores:  “Just what is it that makes today’s homes so different, so  appealing?”, (“¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?).

Impulsor de los movimientos artísticos de los años sesenta, tuvo especial significado icónico su obra basada en la detención, en una redada antidroga, de Mick Jagger y el comerciante de arte Robert Fraser, en 1967. Diseñó la funda del disco “The Beatles” conocido como “The White Album”, publicado y lanzado al mercado el 22 de noviembre de 1968.

Mick Jagger y Robert Fraser detenidos y esposados. 1967. Crédito: http://thecreatorsofart.wordpress.com/2011/11/04/richard-hamilton-pop-art/

Hamilton fue un estudioso de la obra de Marcel Duchamp. Fascinado por la obra de este gran creador se pasó años traduciendo al inglés las notas de la Caja Verde, que contiene las instrucciones para el Gran Vidrio, (de la que hizo una réplica que firmó junto a su creador) Además de que sis pinceladas  exploran el mundo del consumo pero también ahonda en los géneros y estilos pictóricos y en las más significativas obras de los grandes creadores.

La obra de Hamilton se caracteriza, sobre todo en la última etapa de su vida, por centrar su esfuerzo creativo en imágenes que llamen la atención por su carga de protesta y crítica moral, arremetiendo contra el “establishment” político de su país:  Hugh Gaitskell, Mrs Thatcher, Tony Blair.

Como dato curioso Hamilton acuña el término “Pop Art” en una carta a the Smithsons fechada el 16 de enero de 1957, cuando escribe:

“Pop art is popular (designed for a mass audience), transient (short term solution), expandable (easily forgotten), low cost, mass produced, young (aimed at youth) witty, sexy, gimmicky, glamorous, big business”. 

John McHale

“Según el hijo de McHale, el término arte pop fue acuñado por primera vez por su padre en 1954, en conversación con Frank Cordell, aunque el crédito de otras fuentes”.

Llamado  el “sabio-artista o  el” Padre del Pop ‘”, era un pintor escocés que  realizó collages en 1955, fuera del color de la posguerra (entonces fresca imprimir revistas americanas). ” Sus obras incluyen artes plásticas, gráficas, diseño de exposiciones, cine, televisión y asesoramiento general a las organizaciones en los EE.UU. y Europa”.

Comenzó como un artista constructivismo y la transición en su arte pop y proto arte Op. Con otros miembros del Grupo Independiente, Richard Hamilton, Reyner Banham y Lawrence Alloway, organizó la exposición crecimiento y la forma en 1951, inspirado en la obra del científico D’Arcy Wentworth Thompson.

ESTADOS UNIDOS

Comienza al finalizar la década de 1950, y tuvo una gran fuerza en la década de 1960, a pesar de que fue muy criticado debido a la importancia que tenía en todo aspecto artístico, el expresionismo abstract. Adoptó elementos del arte moderno y tuvo un nivel muy sofisticado. Se diferenció del Pop Art británico por ser mucho más agresivo y con mayor fuerza, mientras el británico se enfocaba más en lo sentimental y humorístico. Mucha ayuda tuvo el hecho de que este estilo de arte era puramente estadounidense, lo que en el país fue bien aceptado debido a la constante competencia que existía con todo lo europeo.

En 1965, se realizó una importante exposición en el Centro de Arte de Milwaukee, llamada “El Pop Art y la Tradición Estadounidense”. Destacaron artistas como Jasper Johns y Robert Rauschenberg, como los precursores del movimiento, y otros como Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Roy Rosenquist.

Robert Rauschenberg

Pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país.

Su maestro de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus, Josef Albers. Su estricta disciplina y sentido del método inspiraría a Rauschenberg, como el mismo dijo, para hacer “exactamente lo contrario” de lo que Albers le enseñó. Fue famoso por su “Combines” de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Si bien “Combines” es a la vez pintura y escultura, Rauschenberg también trabajó con fotografía,grabado, papel y en performance.

Ha recurrido también a la serigrafía, en la que se ha servido a menudo de fotografías y recortes de periódico. Fue uno de los fundadores de la EAT (Experimentos en Arte y Tecnología) y en 1964 recibió el Gran Premio de la Bienal de Venecia. “Enmarcado en tendencias tan dispares como el expresionismo abstracto o el pop art, él mismo se ha autocalificado a menudo como neodadaísta”.

Jasper Johns

Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha integrado a su expresión pictórica una serie de elementos delArte Pop. Estudió en la universidad de Carolina del Sur entre 1947 y 1948, para después trasladarse a la Parsons The New School for Design de Nueva York en 1949. Allí conoció a Robert Rauschenberg,con el  que comenzó a desarrollar su obra.

Empezó a pintar obras que se centraban en temas como banderas estadounidenses, números y letras del alfabeto escolar. Pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Esta idea de ‘arte-como-objeto’ se convirtió en una poderosa influencia, bastante fuerte, en la escultura y la pintura posteriores. En algunos cuadros Johns añadía objetos reales sobre el lienzo, como reglas , compases, , entre otros. A principios de 1978 volvió a abrir una senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas “Las Estaciones” que  han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense.

Roy Lichetenstein

Pintor estadounidense llegando a la fama cuándo presentó una serie de piezas que partían de imágenes tomadas del mundo del cómic, presentadas en formatos grandes sobre una trama tipográfica de puntos, sobre fondo blanco. Su intención era despojarlas de toda intencionalidad y reducirlas a meros elementos decorativos, a lo que contribuía la restricción de colores, reducidos a amarillo, rojo y azul, perfilados por gruesas líneas negras. “De entre sus pinturas, siempre de gran formato, cabe destacar Takka, Takka (1962) y el óleo Nos elevamos lentamente (1964), donde se aprecia la voluntaria exención de dramatismo mediante la homogeneidad de la malla de puntos, el cromatismo plano y brillante y la supresión de la gestualidad en la pincelada, para representar una escena de temática siempre banal. A partir de 1979 realizó también esculturas”.

Obra de Lichetenstein. Crédito: wikipedia.org

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso, también sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica.

Obra de Lichetenstein. Crédito: wikipedia.org

Como datos curiosos sus obras  fueron utilizadas en 1997 de U2, 1998 PopMart turística y en una exposición en 2007 en la Galería de Retratos Nacional Británico. Entre muchas otras obras de arte destruidas en los ataques a las Torres Gemelas el 11 de septiembre de 2001, un cuadro de Lichtenstein “La serie Entabladura” fue destruida en el incendio.
Su trabajo “Chica Llorando” fue uno de las obras de arte que cobran vida en Noche en el museo: Batalla del Smithsonian.

Versión de Lichetenstein del cuadro de Van Gogh. Crédito:

Andy Warhol

 

Artista plástico estadounidense, que pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic,  Eliminándo progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

Utilizó  como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.  En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chaires una de sus obras más significativas.

Otra faceta destacada de su obra es su increíble  fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. “En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo”.

De hecho, fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más.” En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt”.

ESPAÑA

El estudio del Pop Art está asociado con el “nuevo figurativismo” que surgió a raíz de la crisis del informalismo.

Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar el “Equipo Crónica”, el cual trabajó en Valencia entre 1964 y 1981, formado por artistas como Manolo Valdés y Rafael Solbes y Juan Toledo.

Manolo Valdés

Pintor y escultor español que el responsable de introducir en su país una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. En 1964 fundó el grupo artístico “Equipo Crónica” junto con Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes en el cual se mantuvo hasta la muerte de Solbes en 1981, aun cuando a los dos años de la fundación del grupo, Toledo lo había abandonado.

Influido por Velázquez, Rembrandt, Rubens y Matisse, Manolo Valdés realiza una obra de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte.

Además de los trabajos expuestos como parte del Equipo Crónicas, Valdés realizó, entre los años 1965 y 1981, más de 70 exposiciones, tanto individuales como colectivas. “Como escultor, es autor de La Dama del Manzanares (2003), obra de 13 metros de altura situada en el Parque Lineal del Manzanares (Madrid)”.

“Valdés ha recibido varios premios, entre los que destacan: en 1965 los premios Lissone y Biella, en Milán (Italia), en 1979, la Medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabados en Tokio (Japón) y Premio del Museo de Arte de Bridgestone en Lis’79 en Lisboa (Portugal); en 1983 el Premio Nacional de Artes Plásticas; el Premio Alfons Roig, en Valencia; el Premio Nacional de Bellas Artes de España; en 1986 la Medalla de la Bienal del Festival Internacional de Artistas Plásticos, en Bagdad (Irak) y en 1993 la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en la clase de Banda de Honor, en Venezuela”.

Juan Toledo

Miembro fundador de Estampa Popular y Equipo Crónica, considerado uno de los exponentes máximos del realismo social en los años sesenta y setenta. Desligado del Equipo Crónica, Toledo desarrolló una interesante obra en solitario, a través de la que se dejó ver su versátil forma de trabajo y su personal modo de adaptar el lenguaje pop a la realidad social del momento.

“Si bien la época más valorada y reconocida de su pintura es la que abarcaría la década de los años setenta y primeros años ochenta, su labor gráfica sobre el papel constituye una fuente de primera magnitud para conocer la verdadera dimensión de su legado.”

A través de dibujos, bocetos, trabajos preparatorios, expuestos aquí de manera exclusiva, ponen de relieve el afán de experimentación que caracterizancomo ha señalado Bonet, “una de las figuras más representativas de la vida artística e intelectual valenciana de la segunda mitad del siglo XX” .

Rafael Solbes

Pintor español que junto a Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo fundó en 1964 el Equipo Crónica.Durante sus primeros años de producción pictórica practicó una tendencia expresionista con cierta carga política en la línea de Gutiérrez Solana.

ITALIA

El Pop Art fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas, como la “Scuola di Piazza del Popolo” en Roma, con artistas como Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa y también algunas piezas de arte de Piero Manzoni y Mimmo Rotella.

El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de dos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderes del movimiento, de hecho, fue entre los años 1958 y ’59 que Baj y Rotella abandonaron sus anteriores carreras (las cuales podrían ser definidas en general como un género no representativo a pesar de pasar por el post-Dadaismo) para catapultarse hacia el mundo de las imágenes y reflejos que estaban brotando a su alrededor.

La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro paredes como fuera: automóviles, señales de transito, televisión, todo el “nuevo mundo”. Todo puede pertenecer al mundo del arte, el cual es nuevo en sí mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano toma el mismo camino ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es la iconografía y en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica.

Ernico Baj

Artista y escritor  italiano, que sus obras muestran una obsesión con la guerra nuclear. Creó grabados, esculturas, pero especialmente collages;  estuvo  próximo a los movimientos surrealista y dadá, y más tarde se relacionó con el arte pop. Como escritor, ha sido descrito como un promotor líder de la vanguardia.

Fundó el “Movimiento Arte Nuclear” con Sergio Dangelo, que a diferencia del arte abstracto era abiertamente político. El propio Baj se alineó con el movimiento anarquista y  sus obras más conocidas son probablemente una serie de “Generales”: personajes absurdos realizados con objetos encontrados como cinturones o medallas.

“Hizo numerosas obras usando motivos de otros artistas, desde Leonardo da Vinci a Picasso. A veces recreó obras enteras de otros pintores”.

“En 1972 la exposición pública de una gran obra, Funeral por el anarquista Pinelli(una referencia a la famosa pintura de Carlo Carrà El funeral del anarquista Galli de 1911) fue prohibida después del asesinato del oficial de policía que se creía responsable de la muerte de Giuseppe Pinelli bajo custodia. Sin embargo, su obra siguió siendo política. En sus últimos años creó una serie de pinturas a modo de protesta por la elección de Silvio Berlusconi”.

Mimmo Rotella

Pintor italianoc onsiderado el “Andy Warhol italiano”, inventa  un método de expresión novedoso: una especie de “poesía fonética” que denominó epistálticay que consistía en mezclar palabras con sonidos, pitidos y onomatopeyas.

Se interesa  en las miles de  posibilidades expresivas de los carteles publicitarios. a lo que empieza a utilizar trozos de carteles rotos con los que compone una nueva realidad, que denominó décollage (en oposición al collage de origen cubista). Sus primeros decollages se exponen en la capital italiana en 1955. Conocido por la crítica como el rompecarteles, adquiere notoriedad mundial. Sería la respuesta de Europa al Neodadá y al Pop Art norteamericanos. “Sus obras se contemplaron en museos como el Guggenheim de Nueva York o el parisino Centro Pompidou. Ademas de decollages, Rotella tambien creo assemblages de objetos comprados en desguaces y basureros: chapas de botellas, tapones, trozos de cuerda, de hilos de bramante, etcétera”.

JAPÓN

En Japón, el Pop Art se desarrollaría a partir de las naciones prominentes “avant-garde escena”. La obra de Yayoi Kusama ha contribuido al desarrollo del arte pop en sí e influyó en muchos otros artistas, entre ellos Andy Warhol. En la década de 1960 a mediados diseñador gráfico Tadanori Yokoo se convertiría en uno de los artistas pop más exitosos y un símbolo internacional para el arte pop japonés. “Él es bien conocido por sus anuncios y la creación de obras de arte de la cultura pop en sí, como las comisiones de los Beatles, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, entre muchos otros”.

Yayoi Kusama

Artista japonesa que abandona su país para vivir en los Estados Unidos donde participó indirectamente y a su manera en la Psicodelia y el arte pop. Participa en la exposición Sunday Afternoon para la galería 303 en Nueva York, EUA y curada por Patricia Martín. Fue una selección de obras para destacar cómo la minimización de los medios y los gestos a través de la repetición puede producir obras de extrema densidad visual, física y conceptual.

“Ha recibido numerosas distinciones, tanto en Japón como en el extranjero: la Orden de las Artes y Letras francesa en 2003; el Praemium Imperiale japonés en 2006, dentro de la categoría de pintura”.

Ha adquirido celebridad por sus instalaciones con espejos, globos rojos, juguetes, en medio de los cuales se ponía ella misma en escena. Sus obras recientes son ingenuas pinturas sobre cartón.

Tadanori Yokoo

Se llegó a decir de él que era el “Andy Warhol Japonés”, tal su importancia en el  pop art, que interviene en sus obras la psicodelia y el misticismo de la India.

También destacándose como diseñador gráfico y artista en la década de los 60´s, de ahí que incluso recibiera la influencia de la gráfica de Milton Glasery Seymour Chwast (Pushpin Studios, de aquel entonces). Con todo, el estilo de Tadanori Yokoo es único e inconfundible y conjuga lenguajes gráficos, personajes y temáticas de la cultura nipona, con técnicas como el collage, la repetición y el colorido del pop y el tratamiento anamórfico del surrealismo, por citar sólo algunos elementos.

Podemos concluir que los artistas del Pop Art pintaban en un lenguaje figurativo, temas tomados de la sociedad de consumo, los temas y objetos que más interesaban a la gente, mostrando esas imágenes en una forma artística, asi como imágenes consideradas prohibidas para el arte como publicidad, carteles, revistas, periódicos, embases de bebidas, paquetes de cigarros, imágenes del cine o la televisión, etcétera. La sociedad en si es la que ha creado este arte, lo que vivimos diariamente  marca las pautas de este estilo libre ,  de fuerte carga visual, una producción artística  que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

Lamentablemente no pudimos encontrar un retrato de ciertos artistas, discúlpenos.

Esperemos que les haya gustado y !Hasta la próxima¡

Sus viajeros del tiempo: Eduardo Moreno, Eduardo Orozco y Oscar Lozano.

FUENTES:

http://www.navedelarte.com/estilos/popart.htm.

http://www.misrespuestas.com/que-es-el-pop-art.html

http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lichtenstein.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm

http://epdlp.com/pintor.php?id=2949

http://thecreatorsofart.wordpress.com/2011/11/04/richard-hamilton-pop-art/

http://artepop.leadhoster.com/john.php

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/solbes.htm

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/8696/Juan_Antonio_Toledo

http://www.italica.rai.it/esp/principales/temas/biografias/baj.htm

http://www.picassomio.es/mimmo-rotella.html

http://elburlador.blogspot.mx/2008/10/tadanori-yokoo.html

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rauschenberg.htm