13 noviembre del 2012. Mientras nos vamos adentrando a los años 90 y vemos pasar el avance de la tecnología y las guerras mundiales, también llega un arte que revolucionó a la sociedad; la perspectiva que las personas tenían de los objetos cambió al ver este increíble arte: Op Art. !Acompañenos en este viaje¡

Nueva York, donde el Op Art es totalmente reconocido. Crédito: http://www.losmejoresdestinos.com/destinos/nueva_york/nueva_york_mapas.php

El Op Art (Optical Art) Es un arte desarrollado a partir del arte cinético, que apareció después del surrealismo en el siglo XX alcanzando su auge en la década de los 60.  Se caracteriza” por la investigación y la expresividad del movimiento físico producido por le mecanismo de transición  debido a las ilusiones perceptivas producidas por colores y valores muy contrastados en superficie y espacios modulados por formas geométricas”.

 En palabras más concretas y exactas podemos decir que la finalidad del Op Art es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro; sus artistas no estaban interesados en pintar los objetos de la vida cotidiana como los artistas Pop, que eran sus contemporáneos.

El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada “The Responsive Eye” que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia. Entre sus principales representantes estaban la británica Bridget Riley y los estadounidenses Ellsworth Kelly y Kenneth Noland. “También se inscriben dentro de esta corriente el español Eusebio Sempere y el colombiano Omar Rayo.

Características principales del Op Art:

  •  Evolución matemática del arte abstracto.
  • Se usa la repetición de las formas simples.
  • Los colores crean efectos vibrantes.
  • Gran efecto de profundidad.
  • Confusión entre fondo y primer plano.
  • Hábil uso de las luces y sombras.
  • El movimiento no es real pero el efecto es de total dinamismo.
  • En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que se emergen y se retrotraen.

Fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda. El Op Art entró a la moda con sus diseños cuadriculados y tridimensionales con gran presencia de contrastes blanco y negro aplicado en vestidos, dos piezas, zapatos y accesorios. Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de las más famosas exponentes del Op Art en el vestir. “Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, ideando  modelos “frescos”, que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista “no combinaban”.

Además que tuvo como base la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.

Ahora haremos mención de algunos de sus exponentes:

Victor Vasarely

Pintor húngaro  asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. “Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo”.

 trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad y tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.

 En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participa en numerosas exposiciones colectivas, como The Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en Europa y América.

En los años 60 realiza obras bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales que requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto cinético. A finales de los años sesenta recibe nuevos reconocimeintos a su trabajo, como el Premio de Pintura del Instituto Carnegie de Pittsburg.

Julio Le Parc

Pintor francés que se interesó por las investigaciones cinéticas y donde fundó en 1960, en colaboración con otros artistas, el GRAV, grupo dedicado a la investigación del arte visual. Su obra, compuesta sobre todo por relieves que integran la luz y el movimiento, recurre a líquidos fosforescentes, a hilos de nylon y a bandas metálicas movidas de forma mecánica.” A partir de 1969, tras volver a la pintura sobre tela, ha trabajado en una gama de catorce colores estrictamente definidos”.

La obra de le Parc fue para su momento aún vanguardista, innovadora, audaz; en la misma se utilizan como elementos de la plástica principalmente aquellos que sorprenden o que sugestionan a la mirada; busca involucrar absolutamente al espectador dentro de la obra,  para todo ello recurre a iluminaciones artificiales, efectos especulares, reflejos y movimientos; por ejemplo con bandas mecánicas que se mueven por dispositivos mecánicos ocultos, el fluir de líquidos fosforescentes, el movimiento de hilos de nylon, sus esculturas en ciertos casos son genuinas instalaciones que envuelven a los espectadores.

“Es en los 60 que Le Parc puede ser considerado tanto dentro del conjunto llamado Op-art como del arte cinético, e incluso del arte conceptual, aunque él intenta transcender tales movimientos y hace, principalmente, un arte experimental”.

“En 1969 tras la disolución del GRAV y participar en la exposición llamada Ocho Artistas Cinéticos, le Parc regresó a la pintura trabajando en una gama de catorce colores estrictamente definidos”. Julio le Parc prefiere hablar de “experiencia ( lo que le aproxima a la noción de performance en “estado puro” ) o  una simple actividad humana  y no de arte” a su trabajo.

Antonio Lizarazu Balué

Artista  español digital autodidact, la mayor parte de su obra tiene relación con la ciencia. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, entre otras son un claro ejemplo de su trabajo.

Obra de Lizarazu. Crédito:http://my.opera.com/arte_optico/blog/

En la obra gráfica presentada encontramos un despliegue alegórico del ente luminoso. La luz, descompuesta en colores casi espectralmente puros, se reconstruye en torbellinos pulsantes, en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. “La sucesiva disminución de la escala espacial remeda composiciones fractales, inherentes a la geometría de los objetos naturales, y los colorea con explosivas volutas de arco iris”.

Arte Óptico autorreferente. Crédito: http://my.opera.com/arte_optico/blog/

Dos son los elementos básicos de la obra gráfica presentada: el color y la simetría, y ambas son partes constituyentes del entorno natural que soporta a la descripción de la luz con el representa  estados visuales de impresionante matiz onírico: esencias de pensamiento visual, secuencias caleidoscópicas donde la pureza y fuerza de los colores se aposenta en la geometría para ocupar el lienzo, como fluyendo.

Obra de Lizarazu. Crédito: http://my.opera.com/arte_optico/blog/

Josef Albers

Consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta alemán  que publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido. “Las más conocidas quizás sean sus rigurosas series Homenaje al cuadrado, que empezó en 1949, donde explora las interacciones cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo”.

El trabajo de Albers representa una transición entre el arte europeo tradicional y el arte norteamericano. “Su trabajo incorpora las influencias europeas de los constructivistas y el movimiento Bauhaus, y su intensidad y la pequeñez de escala son típicamente europeos,  sin embargo, su influencia se redujo fuertemente en los artistas americanos de la década de 1950 y 1960”.

Sandblasted flashed glass with black paint de Josef. Crédito: http://edant.clarin.com/diario/2006/03/09/conexiones/t-01155004.htm

experimentó con una gran cantidad de efectos de colores, formas, líneas y áreas entre sí, con la subjetividad de la percepción visual: Sólo las apariencias no engañan. Con sus dibujos sobre la base de las ilusiones ópticas fue junto a Víctor Vasarely fundador del Op-art. En este contexto, sus series más famosas son parte de Homenaje al cuadrado, cuyas imágenes son siempre los mismos tres o cuatro cuadradosde diferentes colores organizados de forma concéntrica.

“Albers también colaboró con el arquitecto y profesor de Yale Rey-lui Wu en la creación de diseños decorativos para algunos de los proyectos de Wu. Entre estos se chimeneas geométricas distintivo de las casas de Rouse (1954) y DuPont (1959), la fachada de la Sociedad del Manuscrito, uno de los sociedades secretas de Yale (1962), y un diseño para la Iglesia Bautista Bethel (1973)”.

Rolling After de Josef. Crédito: http://www.huma3.com/huma3-spa-reviews-id-436.html

Bridget Louise Riley

Pintora inglesa, que creó  complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.

Movement in Squares de Riley. Crédito: wikipedia.org

“Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales”.

 Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. “Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución”.

Cataract de Riley, Crédito: wikipedia.org

El Op Art sigue siendo una corriente maravillosa que todavía la sociedad no se explica el “movimiento” de los cuadros, pinturas , obras etcétera que observa. Nos gustó mucho el tema por la sensación que se siente al mirarlos pero resulta a veces un poco “mareador” estar viéndolos fijamente para poder la experiencia de que se mueven. Con el avance de la tecnología (textil en específico) esta arte nos seguirá sorprendiendo generación tras generación. Esperemos que les haya gustado.

Sus viajeros del tiempo Eduardo Moreno, Eduardo Orozco y Oscar Lozano.

NOTA: Para entender más de lleno el tema, visten a continuación el Arte Cinético donde encontrarán similitudes y diferencias entre el Arte Cinético y el Op Art.

FUENTES:

http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm

http://www.slideshare.net/ARROBA/opart

http://funversion.universia.es/tendencias/reportajes/arte_optico.jsp

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasarely.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/le_parc.htm

http://my.opera.com/enlacesatspace/blog/2007/03/17/antonio-lizarazu-balue

http://biography.yourdictionary.com/victor-vasarely