12 noviembre del 2o12. Nuestro recorrido sigue por principios del siglo XX con el origen de las diversas vanguardias en toda Europa. En esta ocasión nos adentraremos a uno que nació gracias a estas vanguardias, una muy inusual, indefinida e impersonal, hablo del Arte Abstracto. !Acompañemos en este viaje!

Empecemos con saber que significa esta vanguardia. El arte abstracto busca la contraposición a la figurativa descriptiva, anecdótica y literaria, dando un papel prepoderante a la forma y el color, postulando “la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo” Acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural y rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista. El abstraccionsmo abarca la pintura, escultura, arquitectura e incluso llega a tocar la música, danza o literatura.

Vivir de alegría (1930) Robert Delaunay. Crédito: http://todosobrearteabstracto.blogspot.mx

Surge en Francia en 1910  como reacción al realismo, e influenciado por la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Entre sus antecedentes mencionamos a las vanguardias vistas en los inicios del siglo XX, por ejemplo el impresionista: Paul Cézanne, por su reconstrucción lógica de la realidad desde diferentes puntos espaciales, usando el color para crear módulos y planos, se convirtió en la base de un nuevo arte visual.

Los postimpresionistas como  Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo XX. Al igual que las vanguardias conocidas como el  fauvismo, cubismo y futurismo.

53 Años (1925) Piet Mondrian. Crédito: http://todosobrearteabstracto.blogspot.mx

Las características del abstraccionismo que podríamos mencionar son las siguientes:

  • Ausencia de tema del sujeto real
  • Preside de toda figuración
  • Representan imágenes puras a través de los mínimos recursos estéticos: formas colores y espacio.
  • Destrucción de la imagen artística por medio de la distorsión extrema de las formad reales.
  • Plantean dificultades de compresión y juicio, refiriéndose solo a invisibles estados interiores o simplemente a si misma.
  • La realidad es solo una referencia, una excusa para crear y la técnica es solo un medio.

Se conocen dos tipos de Arte Abstracto que son:

  • La abstracción lírica o cromática: 
es la que se utiliza la función expresiva y simbólica de los colores y del ritmo producido por la relación entre ellos para manifestar los procesos emocionales mediante la pintura, cuyo máximo representante es Kandinsky.
  • La abstracción geométrica
: por el contrario, utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo estricto y una ordenación calculada. Sus máximos representantes son Malevich y Mondrian. Un claro ejemplo es la obra de Mondrian.

Momento de hablar de los exponentes de este inusual arte:

 Wassily Kandnsky

Su originador y máximo exponente, lleva al máximo la expresión de formas y colores sin relación con la realidad objetiva En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases.

“En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. su desarrollo hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en “Abstracción y empatía” de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908.

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy. Crédito: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm

Destacar su interés en la  teosofía, entendida como “la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto”.

El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.

Negro y violeta (1924) de Kandinsky. Crédito: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm

Robert Delaunay

Pintor francés que investigó  exhaustivamente las relaciones existentes entre forma y color: las obras que corresponden a su período de madurez se caracterizan por la utilización sistemática de formas circulares en colores planos, con el fin de dotar de movimiento a sus composiciones.

Torre Eiffel de Delaunay. Crédito: http://misiglo.wordpress.com/2010/05/21/paris-cubista/

Desde 1912 abrazó la abstracción, sin abandonar jamás su línea de experimentación, y hacia 1932 se adhirió al grupo Abstracción-Creación. De entre sus pinturas destacan las series de Saint-Severin, de la torre Eiffel y de Ventanas sobre la ciudad, de la que partió el concepto de orfismo desarrollado por Apollinaire.”Desde mediados de los años treinta, participó en diversos proyectos de integración del arte pictórico en la arquitectura de gran envergadura”.

Alegría de vivir 1930 de Delaunay. Crédito: http://laemociondelarte.blogspot.mx/2010_06_01_archive.html

Paul Klee

Pintor suizo que en 1991 entra  en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El caballero azul), lo que le permitió conocer a Kandinsky.  En París se relacionó con Delaunay y el clima cubista y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color, con  lo que  primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra.

En 1920 ingresó en la Bauhaus de Weimar, donde fortaleció su método de análisis, y en 1924, junto con Kandinsky, Feininger y Jawlensky, formó el grupo de los Blaue Vier (Los cuatro azules). “Las obras realizadas durante este período están repletas de imágenes misteriosas y de zonas cromáticas acompañadas de tenues signos gráficos (Teatro botánico)”.

La casa giratoria por Klee. Crédito: http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Klee

Tras ser profesor de la nueva Bauhaus de Dessau (1921-1930) y de la Academia de Düsseldorf (1931-1933), la condena nazi de su obra le obligó, en 1933, a exiliarse a Berna, donde, en claro paralelismo con la esclerodermia que contrajo, su producción adquirió un tono simbólico y dramático con elementos temáticos esquematizados progresivamente hasta convertirse en ideogramas.

Llegó a  manipular el color con una enorme precisión y pasión, hasta tal punto que terminó enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. “Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el color con una mirada única entre sus contemporáneos”.

El gato y el pájaro de Klee . Crédito: http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Klee

Dentro del abstraccionismo, como mencionamos antes se ramificó en varias partes que mostraremos a continuación:

ABSTRACCIONISMO GEOMÉTRICO

Es una forma de arte abstracto creada en los años 1920, basada en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. El discurso crítico de estos artistas se complementa con una exaltación exacerbada de las dos dimensiones frente al esfuerzo de la mayoría de los movimientos anteriores para tratar de representar una realidad tridimensional.

Fue Wassily Kandinsky su principal precursor y el más influyente de los maestros en toda una generación de artistas abstractos. Kasimir Malevich y Piet Mondrian también se encuentran entre sus impulsores y en ambos se puede apreciar también la influencia de antiguas culturas que utilizaron la geometría como expresión artística y decorativa. “Es el caso de las cerámicas y mosaicos que se conservan del arte islámico, obligado por el precepto religioso de evitar la representación de la figura humana. También las culturas clásicas de la antigua Grecia y la Roma imperial, en las que se utilizaron con profusión elementos decorativos sin referentes reconocibles en la realidad”.

KASIMIR MALÉVICH

Pintor y teórico ruso, sus pinturas  tienen un marcado acento social, siendo el tema central el campesinado, expresado de forma primitiva. Figuras tubulares que recuerdan a Léger, en paisajes de formas simplificadas y contrastes de color que le conducen en 1911 a la investigación del cubismo analítico y al desarrollo de un estilo personal que denomina cubo-futurismo. La influencia de Picasso y Braque deriva en la utilización del collage; también, es atraído por el cubismo sintético.

En contacto con los poetas futuristas rusos, realiza los diseños para la escenografía de la opera Victoria sobre el sol (1913), de Kruchenyk, y es ahí donde inicia la liberación de la realidad objetiva.

Califica en sus escritos este arte como no objetivo y define como suprematismo a “la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas”. Formas geométricas simples y colores planos construyen cuadros que carecen de sentido utilitario y que no evocan sentimientos, llegando incluso a prescindir del color. “La economía máxima de medios culmina en cuadrado blanco sobre fondo blanco (1918). Posteriormente se dedica a aplicar sus investigaciones a la enseñanza y a la realización de unas maquetas fantásticas que bordean la frontera entre la arquitectura y la escultura abstracta. Precursor del minimalismo”.

PIET MONDRIAN

Pintor holandés,  sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.

“Tras contemplar las primeras obras cubistas de Braque y Picasso, en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo”.

Funda  la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos, este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.

“Tras residir varios años en París y Londres, en 1940 se trasladó a Nueva York, donde su obra se vio influida por el dinamismo de la vida urbana y por los ritmos de la música estadounidense, factores que implicaron una mayor atención a las posibilidades constructivas del color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente contacto a lo largo de su vida, dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética; el arte como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad”.

FERNANDO DE SZYSZLO

Pintor peruano que tuvo como maestro al pintor expresionista austriaco Adolf Winternitz. En 1947 realizó su primera exposición, de clara influencia cubista. Poco después fue la impronta surrealista la que dejó huella en su producción. En la década de 1950 expuso en numerosas ocasiones en su país natal y también en Estados Unidos y Europa.

“Entre los años 1970 y 1980 llevó a cabo nuevas series pictóricas dentro de una tendencia expresionista y abstracta de fuerte cromatismo, con ejemplos como Interiores (1972), Waman Wasi (1975) y Anabase (1982), reflejo esta última de su continua experimentación con espacios abiertos, en los que juega con la luz, los reflejos y la profundidad”.

Escultura

La escultura abstracta se basa en la tridimensionalidad, apoyada en los recursos tradicionales como la  textura y las formas geométricas, marcadas o matizadas. El color a veces puede alcanzar un gran protagonismo,  el hecho de que una parte de los pintores abstractos experimenten con la inclusión de texturas extremas, les llevó a la denominada pintura matérica, el espacialismoy la escultopintura , donde las fronteras entre pintura y escultura se difuminan.

“Recursos muy poco usados en la escultura tradicional, como el movimiento y la luz, han sido utilizados de forma destacada en algunos movimientos artísticos vinculados a la escultura abstracta: arte cinético (Marcel Duchamp, Alexander Calder) y light art (Dan Flavin, Olafur Eliasson)”.

Entre los principales escultores:

Constantin Brancusi

Escultor rumano,  considerado como uno de los grandes  del siglo XX. Su obra ha influido en nuevos conceptos de la forma en escultura, pintura y diseño industrial. Su obra, 1200 fotografías y 215 esculturas, evolucionó desde 1908 hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción, proponiendo una realidad distinta.

“Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y africano,intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante una simplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y la madera. Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado”.

Realizó una serie de esculturas en metal llamadas Pájaro en el espacio,  Madre durmiente (1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (1911), El comienzo del mundo (1924), El pájaro (1924-49), la Columna del infinito (1933), El espíritu de Buda (1933) y La gallina (1941).

 Henry Moore

Escultor británico,  su interés por la escultura arcaica y clásica le llevó a frecuentar el British Museum y a viajar por Italia, Francia y España. “Fue profesor del Royal College entre 1925 y 1932, y de la Escuela de Arte de Chelsea de 1932 a 1939″.

En esta época tenía ya un estudio propio y había forjado el estilo que caracterizaría su trayectoria artística. Rechazaba la búsqueda de la belleza al estilo de los clásicos o del Renacimiento y en sus obras buscaba tan sólo la expresión de una energía interior. Desde 1930, la figura yacente y la maternidad se configuraron como sus dos temas preferidos, a los que se añadieron más tarde las pequeñas cabezas y los grupos familiares.

Obra de Moore. Crédito: http://www.kew.org/henry-moore/

Las cavidades y masas poseen prácticamente la misma importancia en sus obras, en la búsqueda de complementariedad entre forma y espacio. Poco conocido fuera de su país hasta mediados de siglo, el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, recibido en 1948, lo proyectó a nivel internacional y, en lo sucesivo, recibió innumerables encargos, muchos de ellos para exteriores, lo que le llevó a aumentar el tamaño de sus obras.

Obra de Moore. Crédito: http://www.kew.org/henry-moore/

 Richard Serra

Escultor estadounidense, célebre por sus obras minimalistas y sus esculturas creadas para lugares específicos, así como por los extraños procesos que utiliza para elaborarlas partiendo de materiales industriales tales como plomo, acero y hormigón.

La gran importancia que concede a la naturaleza física de los materiales y a su peso gravitacional habría de caracterizar e inspirar gran parte de la obra posterior de Serra.” Entre 1968 y 1969, recopiló una lista de verbos (vaciar, plegar, salpicar) que pudieran asociarse con el proceso de esculpir, a partir de dicha lista creó cerca de 100 esculturas en plomo”.

Una de las esculturas más espectaculares creadas por Serra para un lugar específico es su Arco inclinado (1981), que le encargaron para el Federal Plaza de Nueva York. El enorme arco horizontal del que está compuesta la obra tiene una altura de casi 4 metros y una longitud de más de 36 metros. Serra también ha trabajado en medios cinematográficos.

Música

Algunos acercamientos al arte abstracta tenía conexiones con la música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elmentos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma, ya  que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo.

Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. “La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India, China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el estado sin objeto se vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto interior. Las formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad visible”.

Vimos con el arte abstracto que varios de sus artistas fueron inspirados por las vanguardias primerizas y que ellos estuvieron antes en otra vanguardia ya sea cubismo, futurismo, purismo etcétera pero de ahí encontraron la inspiración necesaria para crear esta abstracción que estaba buscando, por eso los artistas nunca se acabará ya que siempre están en constante búsqueda de algo nuevo y extravagante para satisfacer sus necesidades artísticas. También de que estos pintores o escultores fueron aprendices y después maestros para las generaciones futuras del moderno, ya casi llegando al arte actual, es decir, al de neustros días. Esperamos que les haya gustado y los vemos en el siguiente viaje.

Sus viajeros del tiempo Eduardo Moreno, Eduardo Orozco y Oscar Lozano.

FUENTES:

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/abstraccionismo.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm

http://www.wassilykandinsky.net

http://www.slideshare.net/mediosol/el-abstraccionismo-10358182

http://www.slideshare.net/mediosol/el-abstraccionismo-10358182

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/delaunay.htm

http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=6326&Itemid=7

http://epdlp.com/pintor.php?id=3216

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/moore.htm

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2685

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2685